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NEWSLETTER 2017 | Nr. 9
2. und 9. Mai
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"Die
Tonkünstler scheinen zu unsern Zeiten einzig und allein darauf bedacht
zu sein, daß sie die natürliche Anmut der Musik ganz aufheben mögen,
welche ihnen seit einigen Jahren zuwider geworden. Sie wenden vielmehr
alle Mühe an, die Musik rauh, widrig und rauschend zu machen. Je
schwerer die Komposition ist, desto größer ist der Ruhm desjenigen, der
dieselbe verfertiget hat. Es ist kein Zweifel, daß die Kunst ganz
untergehen wird, wenn man also fortfährt"
(Ludvig Holberg (1743))
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das experimentelle Duo scapegoat wurde von dem australischen Saxophonisten Joshua Hyde und dem kanadischen Percussionisten Noam Bierstone 2013 in Paris gegründet.
Seither konzertiert das Duo weltweit und wird nun sein Programm A Message from the Lighthouse am kommenden Dienstag, 2. Mai in der "Unerhörten Musik" performen.
"Im
weißen Licht verbirgt sich alle Kunst und im weißen Geräusch alle
Musik. Aus den komplexen Klängen von Peter Ablingers "Weiss/Weisslich"
tauchen nach und nach Farben und Klänge auf. Ausgehend von dieser
unendlichen Vielfalt von Klangfarben hat scapegoat mit Objekten,
akustischen und elektronischen Instrumenten und ergänzt mit Bildern ein
virtuoses Programm kreiert."
Auf dem Programm stehen Werke von Peter Ablinger, Joshua Hyde DE, Hanna Hartman DE, Fernando Garnero DE, Sam Salem, Sabrina Schroeder DE und Mauricio Pauly.
Am darauf folgenden Dienstag, 9. Mai gastiert - nun schon bereits zum zweiten Mal - das Berliner TriokubiK mit Verena Rein (Sopran), Marika Gejrot (Violoncello) und stefanpaul (Klavier) in unserer Reihe.
ETWAS WIE NACHT:
"TriokubiK
taucht ein in die Welt der Dunkelheit, des Traums und der
Halluzination, wo sich die leidenschaftliche Liebe mit den Wurzeln und
dem Versagen der Sprache vereint."
Zur Aufführung kommen Werke von Roland Bittmann DE, Salvatore Sciarrino, Sidney Corbett, Gabriel Iranyi, György Kurtág und Kaija Saariaho.
(Das ursprünglich angekündigte Programm What the Fake mit dem Ensemble Jetpack Bellerive wird 2018 nachgeholt.) |
| Dienstag, 2. Mai 2017 | 20:30 Uhr | Duo scapegoat |
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scapegoat
Joshua Hyde, saxophones/objects
Noam Bierstone, percussion/objects
scapegoat: A Message from the Lighthouse
Peter Ablinger
Weiss/weisslich 21c (2011/15)
for baritone saxophone & cymbal
Peter
Ablinger describes white noise as the totality of sounds; it contains
all frequencies; comparable to white light that contains all colours. In
Weiss/weisslich 21c, created anew for each chosen cymbal, Ablinger
analyzes the cymbal for its primary frequencies and notates them
according to their exact microtonal cent values. The pitches played by
the baritone saxophone emphasize the frequencies of the cymbal and
gradually impregnate the initially impenetrable density of the constant
noise of the cymbal roll, representing a continuous transition of
perception from impenetrable density to possible consciousness.
Peter
Ablinger was born in Schwanenstadt, Austria in 1959. He first studied
graphic arts and became enthused by free jazz. He completed his studies
in composition with Gösta Neuwirth and Roman Haubenstock-Ramati in Graz
and Vienna. Since 1982 he has lived in Berlin, where he has initiated
and conducted numerous festivals and concerts.
Joshua Hyde
Tethered (2016)
for improvising musician(s), live electronics & video DE
Tethered
presents two distinct worlds, the visual world and the improvised
musical world. These two elements are linked via a system of live
electronic sound treatment that plays on our experience of perception
and cause and effect.
Joshua Hyde is an
Australian saxophonist, improviser & composer. An active performer
of new music, he is co-artistic director & saxophonist of new music
ensemble soundinitiative, one third of standardmodell, one half of
scapegoat, one quarter of Module. He also guests with groups such as
Ensemble Intercontemporain (Paris), Elision (Australia), and musikFabrik
(Cologne).
Hanna Hartman
Message from the Lighthouse (2009/16)
for amplified percussion & tape DE
Message
from the Lighthouse features a percussionist that acts more as an
exciter or prober of sounds rather than a typical instrumentalist. The
instrumental set up features a large clay flowerpot that is stuck inside
of another in order to hold various stainless steel knives, and allow
them to rebound freely between the two pots when triggered by the
performer. The attacks and frequencies created by the bouncing and bowed
knives are transmitted into the performance space via a contact
microphone placed on the outer pot, allowing us to hear the inner
reverberations that would otherwise go unheard.
Hanna Hartman is a
Swedish sound artist, composer and performer living in Berlin. She has
developed a unique language that blurs the boundaries between sound
installation and instrumental performance. Her compositions find new
contexts for mundane objects, creating personalized environments in
which these objects that are seemingly incompatible in their
functionality come together to form a coherent sounding body.
Fernando Garnero
Tête/Carrousel (2017)
for sample filtering baritone saxophone & feed-drum DE
In
Tête-Carrousel, Garnero attempts to represent objects deprived of their
context, torn off from their primordial affetto, and reconstructed
according to a deranged list of presupposed attributes. This pursuit is
founded on an extended notion of hybridization, a conceptual and poetic
framework that allows for the creation and staging of sound objects
composed of disparate elements.
Fernando
Garnero, born in 1976 in Argentina, composition studies by Eric
Gaudibert and Ivan Fedele. Computer assisted composition studies by
Thomas Kessler and Hans-Peter Kyburz, and electronics at IRCAM cursus
(2008/9). Several meetings mark out his study years, among others, those
of Brian Ferneyhough, Georges Aperghis, Gérard Pesson and Thierry
Blondeau. He is Artistic director of Vortex Swiss ensemble, part of
Vortex Project, a composers and musician’s collective of new music based
in Geneva.
Sam Salem
Not One Can Pass Away (2015)
for 2 object operators, tape & video
The
piece is the first of three works by Sam Salem for performers, tape and
video that explore the occult and esoteric history of London. This
first piece is inspired by the life and work of the poet and artist
William Blake. Using Blake’s life as a map, Salem has traced lines and
echoes from Blake’s London to the present day.
Sam
Salem’s work is focused upon the sounds of urban environments: each of
his pieces focuses upon a specific geographical location. His music
aspires to illuminate and explore the hidden musicality and beauty of
his geographical subjects, as well as his own relationship to his
environment as both a source of inspiration and musical material. Sam is
co-director of the Distractfold Ensemble, and currently teaches at
Canterbury Christ Church University.
Sabrina Schroeder
Stircrazer II (2013/16)
for baritone saxophone & transduced bass drums DE
While
a solo piece in its presentation, the piece is in fact a duo with an
invisible second player remotely transducing bass drums. Stircrazer II
is the second in a series for solo performer with live-operated
mechanisms. Each embodying distinct terrain, they share a common
preoccupation with frictions and surface tensions, fragility and blunt
mechanisms. The series stemmed originally out of a modular set for solo
performer developed for a show at Chicago’s Heaven Gallery.
Originally
from west coast Canada, Sabrina Schroeder writes music for mixed
ensembles, often using modified transducers and self-built mechanisms as
integrated instruments in live performance. She’s been an active member
of composer-performer collectives presenting scored and improvised
music, a back-up-band coordinator for teens in mental health housing,
and has taught courses in Sound and Media Art at Rensselaer Polytechnic
Institute in Troy, New York.
Mauricio Pauly
The Threshing Floor (2014)
for amplified duo (saxophone & percussion) & live electronics
The
Threshing Floor spotlights two performers facing one another, their
choreographies intimately integrated between them, their instruments,
and the terms of their amplification. A rough undulating centre throws
offshoots into a pale ring of sustained tones projected by speakers
against the outer walls. These ebb back into slow swarms of controlled
feedback, extending the boundaries of all bodies involved.Mauricio
Pauly is a Costa Rican composer and performer based in Manchester. He
writes music for mixed ensembles, often integrating amplification,
performative electronics and prefabricated sounds. His music is designed
under the assumption that the listener can be primed to experience a
sense of poetic structure; that a temporal mold can be offered where
listeners can pour their own semantic biases and create a sense of
personal, heuristic navigation. Pauly is co–artistic director of
Distractfold and a founding member of the áltaVoz Composers.
scapegoat
is an experimental saxophone and percussion duo. Close creative
collaboration and multi-media projects form the basis of their pursuit
for artistic innovation and expression. Programmes are designed to
broaden and challenge the musical experience of the audience, through
original works featuring live electronics, performer-controlled sonic
and visual amplification, video and lighting design, and improvisation.
Formed
in Paris in 2013 by Australian saxophonist Joshua Hyde and Canadian
percussionist Noam Bierstone, scapegoat has performed in France,
Germany, Switzerland, Canada, the US & the UK. They have completed
residencies at Harvard University’s Radcliffe Institute, the Royal
Northern College of Music (Manchester), Spread Art (Detroit), Aldeburgh
Music & the University of Liverpool, and have performed at festivals
and venues including the Huddersfield Contemporary Music Festival,
Darmstadt Ferienkurse, City University (London), Constellation
(Chicago), Infuse (Paris), Spectrum (New York) & Kompakt (Zurich).
Upcoming
projects include residencies and performances at IGNM Basel, Unerhörte
Musik Berlin, Harvard University, NO HAY BANDA (Montreal) & a tour
of Australia. scapegoat.fr
Joshua Hyde
is an Australian saxophonist, improviser & composer. An active
performer of new music, he is co-artistic director & saxophonist of
new music ensemble soundinitiative, one third of standardmodell, one
half of scapegoat, one quarter of Module. He also guests with groups
such as Ensemble Intercontemporain (Paris), Elision (Australia), and
musikFabrik (Cologne).
Noam Bierstone is a
Canadian percussionist and curator dedicated to modern artistic
performance. Artist in residence (2013-15) at the Cité Internationale
des Arts in Paris, Noam is a member of scapegoat, the
Hellqvist/Amaral/Hyde/Bierstone project & Sixtrum, and is
co-director of the Montreal performance series NO HAY BANDA. He is
regularly invited to perform with groups such as Ensemble
Intercontemporain, Nouvel Ensemble Moderne & soundinitiative. |
| Dienstag, 9. Mai 2017 | 20:30 Uhr | TrioKubik |
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TrioKubik
Verena Rein, Sopran
Marika Gejrot, Violoncello
stefanpaul, Klavier
ETWAS WIE NACHT
Roland Bittmann
Fünf Lieder nach Paul Celan (1988/2016)
für Sopran, Violoncello und Klavier DE
I. Zur Nachtordnung
II. Ich kenne dich
III. Weggebeizt
IV. Fadensonnen
V. Etwas wie Nacht
1988
schrieb Roland Bittmann im ersten Semester seines Kompositionsstudiums
bei Milko Kelemen drei Lieder nach Paul Celan. Für hohe Stimme und
Klavier - damals eine Aufgabenstellung seines Lehrers. Sie erfuhren in
der Folge einige Aufführungen mit verschiedenen Sängern. Nach langer
Zeit auf eine Anfrage des TriokubiK im Jahr 2016, das ein Programm mit
Celan-Vertonungen plante, revidierte er die alte Komposition, fügte eine
Violoncellostimme hinzu, vertonte das dritte Gedicht neu und fügte zwei
neue Vertonungen hinzu. Er sieht den Zyklus jedoch, nach der neuerlich
angeregten Beschäftigung mit dem großen Lyriker, noch nicht als
abgeschlossen an. Es fehlen noch ein paar Gedichte, die ihm am Herzen
liegen. Zum Projekt CELAN VERWOBEN von TriokubiK im Herbst 2017 wird der
Zyklus dann in abgerundeter Form vorliegen.
Roland Bittmann,
geboren 1958 in Berlin, studierte in Berlin und Stuttgart Komposition
bei Witold Szalonek und Milko Kelemen und ist als Komponist und Pianist
tätig. Sein Komponieren ist vielfältig: symphonische Werke (z.B. 2006
das fünfsätzige "Amduat" für großes Orchester (Auftragswerk des SWR für
das RSO Stuttgart), Kammerensemblemusik für verschiedenste Besetzungen
mit und ohne Singstimme, Klavierduowerke sowie Bühnenmusiken,
Märchenmusiken für Kinder Musik für Tänzer und anderes mehr. Durch die
Freundschaft mit dem Geiger Theodor Flindell entstanden die „Sieben
Nachtstücke“ (Serenade) für Violine und Klavier. Bei der UA von „Der
Trost“ für Chor, Orchester und Solovioline 2013 spielte dieser den
Solopart. Für die Staatsoper Berlin richtete Roland Bittmann das Ballett
„La Peri“ von Friedrich Burgmüller ein. Lehrtätigkeit und gelegentliche
Vorträge in Komposition und musikalischer Phänomenologie bzw.
Musikphilosophie.
Salvatore Sciarrino
Sonata IV (1992)
per il pianoforte
Die
Sonata IV per pianoforte, entstanden 1992, komprimiert die dialektische
Idee der Sonatenform, indem hier zwei kontrastierende Themen wie ein
Gittermuster übereinandergelegt werden. Aus der Gleichzeitigkeit
unterschiedlicher Phrasenlängen, dynamischer Prozesse und
Bewegungsrichtungen ergibt sich ein geradezu manisches Oszilieren
zwischen Größenwahn und Zärtlichkeit, das auch an Bataille und Wilhelm
Reich denken lässt.
Salvatore Sciarrino,
1947 in Palermo geboren, beschäftigte sich als Kind mit den bildenden
Künsten. Er ist ein ausgezeichneter Kunstkenner, mit dem eine
Gemäldegalerie zu besuchen das größte Vergnügen darstellt. Später wandte
er sich der Musik zu und betont stolz, die Musik als Autodidakt erlernt
und nie ein Konservatorium besucht zu haben. Claudio Tempo bezeichnet
seine Klaviermusik als „eines der glänzendsten, innovativsten,
kultiviertesten und zauberischsten Abenteuer der Zeitgenössischen
Musik.“
Seit 2004 ist er Mitglied der Akademie der Künste Berlin.
Sidney Corbett
Panim el Panim (2004)
für Sopran und Violoncello
nach Texten aus der Bibel und dem Midrasch, zusammengestellt von Almut Bruckstein
Grundlage
des Werkes bildet eine besondere Art der Betrachtung eines Bildes von
Rembrandt, "Jakob ringt mit dem Engel“. Nach manchen Überlieferungen ist
es die Aufgabe eines Engels, vor dem Thron Gottes zu singen, manche
meinen sogar die einzige Aufgabe. Dies hat, wiederum je nach
rabbinischer Ansicht, morgens beim Sonnenaufgang zu geschehen, manche
meinen täglich, andere nur an den Festtagen, manche aber meinen, nur
einmal im Leben des Engels. Wenn der Engel aber zu spät kommt, verglüht
er. Manche Überlieferungen meinen hierzu, dass das Ausbreiten der Flügel
bereits Gesang sei. Wenn man das Rembrandt'sche Bild ansieht, ist der
Engel (ein weibliches Gesicht übrigens, weshalb auch das "Hohe Lied"
vorkommt, denn sie tanzen eher als dass sie kämpfen) in seinen
Gesichtszügen so voller Liebe und Sanftmut, obwohl der Morgen bereits
dämmert, seine Flügel sind ausgebreitet, also bereits im Gesang
begriffen. Seine Aufgabe also erfüllend, befindet er sich in den Armen
Jakobs, so gesehen, wenn nicht vor dem Thron Gottes, dann im Angesicht
Gottes, des Allgegenwärtigen, also "panim el panim" (von Angesicht zu
Angesicht).
Sidney Corbett, 1960 in Chicago
geboren, studierte Musik und Philosophie an der University of
California, San Diego, der Yale University, wo er 1989 promovierte,
sowie 1985 bis 1988 an der Hamburger Musikhochschule bei György Ligeti.
Seit 1985 ist Corbett vorwiegend in Europa tätig. Seine Werke, die
Bühnen-, Orchester-, Instrumental-, Solo- und Vokalliteratur umfassen,
erhielten zahlreiche Preise und Auszeichnungen im In- und Ausland und
werden weltweit aufgeführt. Seit 2006 ist Corbett Professor für
Komposition an der Hochschule für Musik und darstellende Kunst Mannheim
und ist auch Leiter des dortigen Forums für Neue Musik.
Gabriel Iranyi
aus: Sechs Denkbilder mit Benjamin (2004)
für Sopran solo
... das Bild von Glück
... Zum Denken
... Es gibt ein Bild von Klee
Gabriel
Iranyi komponierte die „Sechs Denkbilder mit Benjamin“ für Sopran solo
2004 als Auftragskomposition für die Ausstellung „SCHRIFT BILDER DENKEN -
Walter Benjamin und die Kunst der Gegenwart“, die 2005 im „Haus am
Waldsee“ Berlin stattfand. Die Uraufführung sang die Sopranistin Verena
Rein. Für die sechs kurzen Vertonungen wählte er Fragmente aus W.
Benjamins berühmten Thesen „Über den Begriff der Geschichte“ (1940), die
der Philosoph selbst als „Denkbilder“ eingeordnet hatte: zu einer Reihe
kurzer philosophischer Prosatexte.
Gabriel
Iranyi wurde im rumänischen Klausenburg (rum. Cluj) Siebenbürgen,
geboren. Kompositionsstudium an der „George Dima Musikakademie“ der
Klausenburger Universität. 1971 eine erste Stelle als Dozent für
Kontrapunkt (Renaissance, Barock und XX. Jahrhundert) in Jassy an der
„George Enesco“ Musikuniversität. 1978 und 1984 Teilnahme als
DAAD-Stipendiat an den Darmstädter Ferienkurse für Neue Musik, in der
Kompositionsklassen von H. Lachenmann, B.Ferneyhough und C. Halffter
teil. 1977-1981 ist Iranyi Dozent für Formenlehre und Kontrapunkt an der
Tel-Aviv University. 2000 Promotion im Fach Musikwissenschaften und
viele Vorträge über Neue Musik an der Universitäten in Berlin (Hans
Eisler) New York (NYU), Wisconsin, Oldenburg, Rostock, Bukarest,
Klausenburg, Landesmusikakademie Berlin, EPTA-Bonn (European Piano
Teachers Association). Besonders prägend waren für ihn die Begegnungen
mit György Ligeti, György Kurtág, Morton Feldman und Günther Becker.
Seit 1988 lebt Gabriel Iranyi als freischaffender Komponist in Berlin.
2010 bis 2016 wurde er als stellvertretender Vorsitzender des Deutschen
Komponistenverbandes Berlin gewählt. Aufführungen bei Internationalen
Musikfestivals: Gaudeamus Musik Week Amsterdam, Darmstädter Ferienkurse,
Steirischer Musikherbst Graz, IGNM Festivals in Israel, Holland und
Rumänien, UNESCO’s Rostrum Paris 1986 und 1999, New York University
Composer’s Forum, Israel Festival, Music Now Wisconsin (USA),
„Ultraschall“ Festival Berlin, „Intersonanzen“ Potsdam, Weimarer
Frühjahrstage für zeitgenössische Musik, Pyramidale Berlin-Hellersdorf,
Klangwerkstatt Berlin-Kreuzberg, Randfestspiele Zepernick,
„young-euro-classic“ Berlin, „George Enescu“ Festival, Bukarest und
Forum neuer Musik Köln. Mehrere CD Veröffentlichungen bei Kreuzberg
Records Berlin, Hungaroton Classic und Stan Records.
György Kurtág
Zeichen, Spiele und Botschaften
für Violoncello solo
Stockende Worte, Hommage à John Cage (1987)
Souvenir de Balatonboglar (2003)
Abschied des Sokrates (2000)
Schatten (1999)
„Zeichen,
Spiele und Botschaften“ ist eine Sammlung kammermusikalischer Stücke,
die seit 1970 immer wieder mit neuen, kurzen Werken ergänzt werden. Die
Stücke haben alle unterschiedliche, versteckte und verschlüsselte
Botschaften, die für Kurtág formgebend sind.Seine detailreiche,
musikalische Sprache pendelt zwischen Spontaneität und Reflektion und
hat eine sehr persönliche Intensität.
György
Kurtág, geboren 1926, studierte Klavier und Komposition in Budapest und
schrieb bis in die späten fünfziger Jahre Musik im Stile von
Bartók-Kodaly. Ab 1957 verbrachte er einige Jahre in Paris, studierte
Komposition bei Olivier Messiaen und Darius Milhaud, litt unter
Depressionen und begegnete der Psychotherapeutin Marianne Stein auch
beschäftigte er sich viel mit den Theaterstücken von Samuel Beckett und
der Musik von Anton Webern. In dieser Zeit kamen sein Leben und sein
Komponieren an einen Wendepunkt, und, zurück in Budapest, war das erste
Stück, das er komponierte, ein Streichquartett. Es wurde sein Opus.1.
Kaija Saariaho
Mirage (2007)
für Sopran, Violoncello und Klavier
Text: Maria Sabina
Kaija
Saariaho schrieb Mirage, übersetzt: Halluzination oder Trugbild,
zunächst für Sopran, Violoncello und Orchester, erst später entstand
ihre kammermusikalische Fassung für Sopran, Violoncello und Klavier. Sie
verwendet einen ekstatischen Text der mexikanischen Heilerin und
Schamanin Maria Sabina, der beschwörend die Verwandlung einer Frau
beschreibt. Die Protagonistin (Sopran) verliert sich im Kosmos; ihr
Zustand ist der des Jubels. Aber in diesem Zustand scheint sie auch nach
Beruhigung und einer Art Führung zu ihrer Identität und Eigenschaft als
Frau zu fragen.Kaija
Saariaho, geboren 1952, studierte an der Sibelius-Akademie in Helsinki
bei dem Avantgardisten Paavo Heininen und gründete mit Magnus Lindberg
und anderen die Gruppe Open Ears. Sie setzte ihre Ausbildung dann in
Freiburg im Breisgau bei Brian Ferneyhough und Klaus Huber fort, nahm an
den Darmstädter Ferienkursen teil und studierte ab 1982 am IRCAM im
Centre Pompidou in Paris computergestützte Komposition und Arbeit mit
dem Tonband und Live-Elektronik. Sie gehört zu den bekanntesten
Komponistinnen unserer Zeit.
Die Musiker des TriokubiK
lernten sich 2013 bei einem Konzert kennen. Die Zusammenarbeit war
gleich so fruchtbar, dass die drei Künstler - alle mit viel Erfahrung
auf dem Gebiet der zeitgenössischen Musik - beschlossen, gemeinsam ein
Trio zu gründen. Die Kombination von Stimme, Violoncello und Klavier
eröffnet vielfältigste Möglichkeiten des Klangs, der Farbe und des
Stils. Von Solo- bis Triobesetzung gibt es eine reiche Auswahl von
Werken unterschiedlichster Ausprägung, was die Musiker sofort reizte -
alles hoch drei und auf jeden Fall in drei Dimensionen...
Verena Rein
erhielt ihre Gesangsausbildung bei Kammersänger Peter Gougaloff,
Deutsche Oper Berlin, als dessen Meisterschülerin. Belcanto-Studien
führten sie mit Mirella Freni zusammen. Zuvor absolvierte sie ein
Instrumentalstudium an der Hochschule für Musik und Theater Hannover.
Auftritte
in Oper und Konzert führten sie durch viele Länder Europas und die USA.
Sie wirkte mit bei Rundfunk-, TV- und CD - Produktionen. Ihre
Diskografie hält so manche Ersteinspielung bereit und wurde mehrfach
ausgezeichnet, z.B. kam ihre CD - Russian Songs (Profil Editon Hänssler)
auf die Topliste der Neuen Musikzeitung (nmz). Gemeinsam mit dem Kaunas
Chamber Orchestra spielte sie kürzlich Brittens: Les Illuminations
sowie Šenderovas: Songs of Sulamith ein. Ihre wichtigsten Opernrollen
waren bisher Violetta, Konstanze, Donna Elvira, Micaëla und Agathe. Im
Konzertbereich ist sie bei führenden Internationalen Musikfestivals
(z.B. Schleswig Holstein Musikfestival, Usedomer Musikfestival) zu Gast.
Ende 2010 erschien ihr innovativer und umfassender Film über
klassischen Gesang DIE BEFREIUNG DES KLANGS auf DVD (ED Peters). Er
bekam hervorragende Kritiken in internationalen Musikmagazinen. Sie gibt
regelmäßig Meisterkurse an Musikhochschulen und anderen Institutionen
im In- und Ausland.
Marika Gejrot
studierte Violoncello an der Musikhochschule in Stockholm und an der
"Ecole Normale de Musique" in Paris. Sie war Mitglied im „Ensemble
Internationale de Paris“. Nach ihrer Studienzeit zog sie nach Belgien
und arbeitete viele Jahre als Orchestermusikerin im Westflämischen
Kammerorchester und in der Antwerpener Philharmonie. Seit 1996 lebt sie
freischaffend in Berlin, spielte mit der Berliner Kammeroper, der
Neuköllner Oper und vielen anderen projektbezogenen Gruppen. Die meiste
Zeit widmet sie sich aber der Kammermusik; dann oft neukomponierten
Stücken und Crossover Projekten. Sie ist Mitglied in dem neugegründeten
"Melenquartett" und dem Ensemble für Neue Musik; „Work in Progress“.
Einen weiteren Schwerpunkt bildet die Arbeit im Duo mit Klavier. CD
Aufnahmen: u.a.: "Snake Dance" von Henriette Müller (2003), "Quartette
für Preussen" mit dem Zephyrquartett (2008), Christoph Loothen: "Die
Hilfe kommt von den Herrn" für Mezzosopran und zwei Celli (2012),
Rainer Rubbert "Das 1. Gebot" für Tenor, Bariton, Cello und Orgel
(2013).
stefanpaul
studierte an der HfM "Hanns Eisler" Klavier, wo er nach dem Studium als
Korrepetitor im Studiengang Musiktheater tätig war. Bei zahlreichen
Musiktheaterprojekten übernahm er die musikalische Leitung, u.a. im
"Lehrstück" von Brecht/Hindemith in der Regie von Frank Castorf an der
Volksbühne Berlin, wo er auch als John Gabriel Borkman in der Regie von
Vegard Vinge zu erleben war. In der vergangenen Spielzeit bearbeitete er
die Bühnenmusik von Hanns Eisler zu Brechts "Leben des Galilei" am
Deutschen Theater Göttingen in der Regie von Michael von zur Mühlen.
2006 war er Finalist beim Wettbewerb "Schubert und die Musik der
Moderne" in Graz und gewann mit Hanna Herfurtner den 1. Preis beim
Paula-Lindberg-Salomon- Liedwettbewerb. Seit 2004 hat er einen
Lehrauftrag in der Klasse für Zeitgenössisches Lied von Axel Bauni an
der UdK Berlin inne. |
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Herzlich grüßen Sie
Rainer Rubbert und Martin Daske
Die Unerhörte Musik wird gefördert aus Mitteln der Senatsverwaltung für Kultur und Europa
Alle Veranstaltungen finden im BKA-Theater, Mehringdamm 34, 10961 Berlin, statt. Telefon: 030 - 20 22 007
Eintritt: 13,- / 9,- €
Zehnerkarte: 80,- / 60,- € (übertragbar)
Sollten
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