Tiefes Atmen
Patrick Friel A Different Tune (2018–21) für Stimme und Tuba UA I: Fragment How can I forget the feel of her ribs under my fingertips, the thump of her slow heart into my hand? I will be the frost running silver threads through brown leaves under her feet – II: a different tune oh my heavy heart how can I make you light again so I don’t have to lug you through the years and rooms? Shall I make a sling for you of silk and fingers in a blue that brings out your bruised red? I could hang it from the bony strut of my collarbones to hammock your sad weight. Would you soften your walls and open your dark chambers if I did? I’m the one - the only one – who really loves you so be light for me, light like the bird perching on the rose stem, its pronged feet threaded through the black thorns - so light the stem barely moves. III: Lines on a broken statue of Iris What are you a goddess or a servant forever tied to their purpose? Iris of my eye you must be more than that. I only saw a fragment of you caught mid-leap in the stone’s soft lip the ripples in your robe blown against your thighs, your wide stride spanning all possible worlds. Laura Scott, from New Poetries VII (Manchester: Carcanet, 2018). Die Musik von Patrick Friel (geb. 1989 ) wurde weltweit aufgeführt, u. a. in Südkorea (ISCM World Music Days), in der Türkei (Arditti Quartet), in den Niederlanden (Amatis Trio im Amsterdamer Concertgebouw, gesendet auf NPO 4), in Norwegen (Cikada Ensemble), Deutschland (Darmstädter Ferienkurse und Berliner Konzertreihe Unerhörte Musik), USA (Boston Conservatory, Stony Brook und New Yorker Spectrum-Reihe) und Argentinien (Buenos Aires' Música UNTREF-Reihe) sowie im Vereinigten Königreich (Aldeburgh, Dartington, Psappha Ensemble, Gildas Quartet). Patricks Musik wurde vom Florilège Vocal de Tours, ISCM Chengdu, Sichuan Conservatory und dem Discovering Young Composers of Europe Project ausgezeichnet. Zurzeit schreibt er Lament für das Ensemble Intercontemporain, und sein jüngstes Werk ist bei der Edition Gravis erschienen. Seine Filmmusik wurde bei den Hiroshima Animation und Ji.hlava Documentary Festivals aufgeführt und für den Taipei Film Award nominiert. Patrick ist derzeit Doktorand im Fach Komposition an der University of Manchester und wird von Philip Grange betreut. Zu seinen weiteren Lehrern zählen Sir Harrison Birtwistle (Dartington), Oliver Knussen, Colin Matthews und Michael Gandolfi (Britten-Pears), Dieter Ammann und Alberto Posadas (Lucerne Academy) sowie Alexander Knaifel und Helena Tulve (Sankt Petersburg). Im Jahr 2021 studierte er außerdem bei Isabel Mundry (IRCAM). Lore Lixenburg #theVoicePartyOperaBotFarm - Teil 5 (2021) für Stimme UA Aus dem Trauma des Brexit-Referendums im Jahr 2016 wurde The Voice Party geboren. The Voice Party tritt bei den Wahlen 2019 in Großbritannien an und steht für alles, was die etablierten Parteien nicht tun. Sollte sie gewählt werden, würde sie das gesamte politische System auf der Grundlage der schönen, wahrhaftigen, harmonischen und egalitären Gesetze des reinen Klangs umstrukturieren. The Voice Party ist eine politische Partei, eine Oper und auch eine musikalisch-künstlerische Aktion mit einem eigenen Parteiprogramm, das darauf abzielt, die Struktur der Gesellschaft zu überholen und jeden Aspekt der politischen Bestrebungen nach den Prinzipien der reinen Musik und des Klangs neu zu organisieren.
‘Die Musik würde nicht mehr, wie im "Land ohne Musik", ängstlich und verarmt im Hintergrund der Gesellschaft stehen, sondern glorreich und stolz in der Mitte der Gesellschaft, wo ihr eigentlicher Platz sein sollte. Das Bildungsministerium der Voice Party hat einen opernhaften TwitterOperaBot geschaffen. Ähnlich wie die altgriechischen Chöre ist der Bot ein Gerät (inspiriert von Orpheus, dessen Stimme Berge versetzen und die Welt verändern konnte), das aktuellen populistischen Regierungen antwortet, klagt, schimpft, kommentiert, beleidigt und Ratschläge erteilt.
Die analogen und von der KI komponierten Bots werden durch die Kombination von bissigem, verzweifeltem Gesang geschaffen, der sich in einer Schleife aufbaut, während der Stress des Engländers das Gehirn mit Cortisol-Stresshormonen überflutet (was wird die Regierung heute noch alles auf uns loslassen?), manchmal mit glitschigen, nostalgischen Liedern als gefundene Klangobjekte (z. B. "White Christmas" und "Lily the Pink"), die die Bevölkerung an eine Vergangenheit erinnern sollen (vor allem an eine weihnachtliche Vergangenheit), die sie nie wirklich erlebt hat.
Dazu gehören auch Stimmen von Politikern mit ihren eigenen Stimmformanten und -ticks, vor allem Boris Johnson. Im Moment ist der Twitterbot auf Boris Johnson trainiert. Wenn Johnson twittert, antwortet der Bot-Algorithmus, und dieVoicePartyOperaBotFarm liefert jedes Mal, wenn Boris Johnson twittert, einen Strom mehrstimmiger, opernhafter, vielgestaltiger Schmähungen, Ratschläge und Humor auf Twitter und fungiert als opernhafter Gegenbot zu populistischen Botfarmen. Wenn Sie der TheVoicePartyOperaBotFarm folgen möchten, lautet der Twitter-Handle @TheVoiceParty1 Luigi Nono Post-Prae-Ludium Nr. 1 'per Donau' (1987) für Tuba und Live Elektronik Als jemand, der ständig mit neuen Möglichkeiten der Klangerzeugung experimentierte, schrieb Nono das Post-Prae-Ludium kurz vor seinem Lebensende, als er im Heinrich-Strobel-ExperimentalStudio des SWR in Freiburg mit elektronischer Musik arbeitete. In enger Zusammenarbeit mit dem italienischen Posaunisten und Tubisten Giancarlo Schiaffini entstand eine Aufnahme mit einer Partitur, die ohne weiteres ein Kunstwerk für sich sein könnte. Durch den Einsatz zahlreicher ungewöhnlicher Techniken, extremer Dynamik und noch extremerer Tonumfänge schuf Nono eine Klangwelt, die im Tuba-Repertoire noch nie zuvor vollständig erforscht worden war. Die Art und Weise, wie die Musik wiedergegeben wird, bleibt nicht konstant, und die Entwicklungen in der elektroakustischen Aufführungspraxis der letzten dreißig Jahre haben zu bedeutenden Veränderungen in der Art und Weise geführt, wie dieses Werk heute realisiert werden kann. Das Klangerlebnis bleibt jedoch konstant, da Rhythmen und Intervalle durch einen stetigen Strom ätherischer Resonanzen ersetzt werden, die sich zu einem dramatischen Höhepunkt aufbauen, bevor sie ebenso dramatisch wieder verschwinden, wie sie entstanden sind. Luigi Nono (1924-1990) war zweifellos einer der wichtigsten Komponisten des 20. Jahrhunderts; neben Pierre Boulez und Karlheinz Stockhausen gehörte er seit den frühen 1950er Jahren zu den führenden Vertretern der Neuen Musik. Vor allem seine frühen Werke, Il canto sospeso (1955-56) für Solostimmen, Chor und Orchester, verschafften ihm internationale Anerkennung und Wertschätzung, und er wird von vielen als legitimer Nachfolger Weberns angesehen. Seine monumentale Spätoper Prometeo (1984/5) wurde als "eines der besten Werke des 20. Jahrhunderts" (Stefan Beyst) bezeichnet. Sein Beitrag zur zeitgenössischen Musikästhetik ist jedoch nicht zu übersehen; er sah es als seine Aufgabe an, die natürlichen Parameter eines Klangs zu transformieren und zu erweitern, indem er die Grenzen der musikalischen Intensität auslotete, um völlig neue Klangfarben zu schaffen. Luigi Nono La fabbrica illuminata (1964) für Stimme und Tonband La fabbrica illuminata umfasst den Kern von Nonos kompositorischen Inspirationen, kombiniert mit seinen persönlichen Idealen und tiefen politischen Überzeugungen. Es ist auch ein wunderbares Beispiel für ein Stück, das aus der symbiotischen kreativen Beziehung zwischen Interpret und Komponist entstanden ist. Eine der größten Herausforderungen bei der Aufführung von La fabbrica illuminata ist die Behandlung des musikalischen Raums, wenn gerade nicht gesungen wird. Nono verlangt von der Solosängerin, dass sie in vielen Abschnitten schweigt, vielleicht als Zeugin der Schrecken, von denen die aufgezeichneten Arbeiterstimmen berichten, vielleicht aber auch in der Rolle einer Art Beatrice des zwanzigsten Jahrhunderts, die ihre Stimme einsetzt, um den Zuhörer in den siebten Kreis der Hölle zu führen, um Zeuge der "von der Fetischisierung durch die Technologie bedrohten Leben" zu werden, während sie selbst außerhalb steht. Mit La fabbrica illuminata schließt Nono den Kreis, den ein anderer berühmter Italiener, der Künstler und Klangpoet Filippo Tommaso Marinetti, eröffnet hat. In der Naivität Italiens vor dem 1. Weltkrieg nutzte der Futurismus mit Freude die Stimme, um die Klänge des technischen Fortschritts nachzubilden und zu feiern; bei Nono, nach dem 2. Weltkrieg, ertönt die Stimme als menschlicher Protestschrei gegen die entmenschlichenden Folgen eben dieses Fortschritts. Georg Katzer Dialog Imaginär Nr. 9 „für Tuba mit Hegel” (2008) für Tuba und Elektronik Das Stück besteht aus fünf kurzen Teilen ganz unterschiedlichen Charakters. Mein Konzept sieht das Instrument mit seinen verschiedenen Spielweisen bis hin zur Geräuscherzeugung im Mittelpunkt und die Elektronik "klassischer" Prägung (Filterung, Delays, Verzögerungen, Modulationen…..) als eine klangliche Erweiterung des Instrumentes, dasselbe quasi umhüllend, manchmal aber auch ins Riesenhafte und Groteske vergrößernd. Dabei kommt es mir darauf an, den Zusammenhang von Instrumentalklang und elektronischer Umformung erkennbar zu machen. Der Titel des Stückes zitiert den deutschen Philosophen Georg Wilhelm Friedrich Hegel, der im dritten Teil einen Auftritt mit dem durch die Tuba gesprochenen staatstragenden Satz hat: “Was wirklich ist, das ist vernünftig und was vernünftig ist, das ist wirklich". Im letzten Teil ist dann noch ein anderer großer Deutscher in der Filterung durch das Instrument zu vernehmen. Die Komposition ist ein Auftragswerk der Kunststiftung NRW und Melvyn Poore gewidmet. Dem ZKM gilt mein Dank für die technische Unterstützung. (G.K.) Georg Katzer (1935–2019) war einer der Pioniere elektronischer Neuer Musik in der DDR. Er studierte Komposition bei Rudolf Wagner-Regeny und Ruth Zechlin in Berlin (Ost) und an der Akademie der musischen Künste in Prag. Danach war er Meisterschüler von Hanns Eisler an der Akademie der Künste der DDR, zu deren Mitglied er im Jahre 1978 gewählt wurde. Ernennung zum Professor für Komposition in Verbindung mit einer Meisterklasse. Hier gründete er 1982 das Studio für Elektroakustische Musik, dessen künstlerischer Leiter er bis 2005 war. Mitgliedschaft der Akademie für Elektroakustische Musik in Bourges/Frankreich. Gastprofessur an der Michigan State University 1980. Ehrengast der Villa Massimo, Rom, 1992. Neben seiner kompositorischen Arbeit (Kammermusik, Orchesterwerke, Solokonzerte, drei Opern, zwei Ballette, Puppenspiele) beschäftigte sich Katzer auch mit Computermusik, Multimedia-Projekten und Improvisation. Kompositionspreise und Auszeichnungen erhielt er in der DDR, in der Schweiz, in Frankreich, in den USA und in der Bundesrepublik Deutschland, u.a. das Bundesverdienstkreuz. Er lebte bis zu seinem Tod in Zeuthen bei Berlin. Frédéric Acquaviva Self-Portrait Music (2015) für Stimme und Tuba Nehmen Sie ein beliebiges Stück aus dem Repertoire (für Orchester, Ensemble oder Solostücke...) und behalten Sie nur die Tonhöhen "F" und "A" bei. Achten Sie darauf, dass Sie alle geschriebenen Nuancen und Vorzeichen meiner früheren Komponisten-Sklaven respektieren. Machen Sie in Zukunft eine CD -oder was auch immer ein zeitgemäßes Medium sein wird - abgesehen von Vinyl - mit so vielen verschiedenen Versionen wie möglich. Frédéric Acquaviva ist ein autodidaktischer experimenteller Komponist und Avantgarde-Klangkünstler, der zwischen Paris, Berlin und London lebt und mit Stimmen, Instrumenten, Elektronik, Film und Körpergeräuschen arbeitet. Acquaviva ist seit 1990 in der Underground-/Experimentalmusikszene aktiv und hat mit wichtigen Vertretern der historischen Avantgarde wie Isidore Isou, Marcel Hanoun, Pierre Guyotat, Bernard Heidsieck, Maurice Lemaître und Henri Chopin sowie mit Vertretern der jüngeren experimentellen Szene wie dem Dichter und Künstler Jean-Luc Parant zusammengearbeitet, Joël Hubaut, der Lettrist Broutin, der Dichter und Filmemacher F. J. Ossang, die Choreografin Maria Faustino, Maîtresse Cindy, der Posaunist Thierry Madiot, der Pianist Mark Knoop, die Harfenistin Helen Sharp, die Flötistin Carin Levine, Bartosz Glowacki (Akkordeon), der Cellist Anton Lukoszevieze (Cello), Chihiro Ono (Violine) und die Mezzosopranistin Loré Lixenberg. Als Schöpfer "chronopolyphoner" Installationen arbeitet er seit 1990 am Begriff des "Oxymorons" und an der Überschneidung von Instrumenten oder Stimmen mit der Bearbeitung am Computer, manchmal unter Einbeziehung von Videotexten oder Live-Streams, wobei er einen konzeptionellen Ansatz mit physischen Körpergeräuschen verbindet. Er erhielt 1998 ein Kommando des französischen Kulturministeriums, 1999 und 2018 von ACR (France Culture), 2009 von Motus/Palais de Tokyo und war Composer-in-Residence an der Emily Harvey Foundation in Venedig (2009, 2011 und 2016), EMS-Studios in Stockholm (2015 und 2019) und gewann das renommierte Beinecke-Stipendium an der Yale University (2012 und 2017) sowie die Kuratierung von mehr als 40 Ausstellungen über Avantgarde-Kunst und Poesie (u. a. Gil J. Wolman und Isidore Isou) in Museen wie dem Museum für zeitgenössische Kunst in Barcelona (MACBA), Serralves, Museo Reina Sofia. 2019 schrieb Acquaviva die erste Monografie über die Werke von Isidore Isou (Editions du Griffon), die im Juni 2019 beim FILAF in Perpignan als bestes Buch über zeitgenössische Kunst des Jahres ausgezeichnet wurde. Sein Werk ANTIPODES wurde mit dem Karl-Szuka-Preis 2020 ausgezeichnet. | 
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