MONGREL Alwynne Pritchard My love is like (film)
[screened in the bar before the performance] Der Film ist der letzte Teil eines Online-Projekts, das im März 2020 als offener Aufruf an alle, die mitmachen wollten, begann. Vielen Dank an alle, deren Beiträge mich überrascht, erfreut und ermutigt haben. Mit Videoclips von: Gostavia Account, Claire Anderson, Kjetil McAuley, Barbara Ballash, Daniel Baranov, Paul Beaudoin, Aina Heldal Bøe, Alison Cornish, Angus McDougal, Heath Enlover, Jen Gater, Hendrik Huiskes, Lamin S. Jatta, Moira Kennard, Edward Lale-Klasicki, Sammy Lee, Patricia Love, Ollie Nanyes, Randi Netland, Daniel Niblock, Carl Nigi, Melissa Nigi, Andreas Nygård (Alter 1 1/2), Martin, Nygård (Alter 4, Reg Perkins, Siouxie Snow, Andrew Sparling, Niamh Swan, Carol Thuestad, Valentina Tsepeleva, Carlos Vanenzuela, Bonnie Farion Williams, Gareth Williams, Amnon Wolman, Alastair Woolley, Chris A. Wright - Und mit besonderem Dank an Samantha Needham (& Söhne). My love is like wurde mit Mitteln von TONO und dem Arts Council Norway realisiert. Kaj Aune Today I have been a bad dog, from now on will try to be better, more generous and kind towards others (2020)
for solo performer Dies ist das erste Performance-Stück, das ich für jemand anderen als mich selbst gemacht habe. Es handelt sich um eine Art musikalisches Puppentheater, bei dem die Bühne, das Licht und das Soundsystem Teil des Kostüms sind. Der Titel bezieht sich natürlich auf das übergeordnete Thema des ursprünglichen Auftrags - DOG/GOD - mit dem Schwerpunkt auf der traditionellen theologischen Vorstellung, dass der Mensch nach dem Ebenbild Gottes geschaffen ist. Das Ziel ist es, eine multidimensionale Collage aus den verschiedenen Elementen zu schaffen. Kaj Aune (*1978) ist ausgebildeter Komponist und arbeitet häufig im Grenzbereich zwischen bildender Kunst, Performance und Sound. Viele seiner Werke könnte man als eine Ein-Mann-Band-Objekt-Oper am Rande des Zusammenbruchs beschreiben. Musikalisch greift er oft auf ältere, bereits existierende Musik zurück, die er transformiert oder verfremdet, so dass sie kaum wiederzuerkennen ist. Seine Musik wird auf dem Londoner Label Ash internal veröffentlicht und er spielt auch in einer Noise-Band namens Sjø. Helmut Oehring Lost Dog (2015)
for voice and audio playback
Der Titel ist Programm …
Der Komponist, Autor, Choreograph und Regisseur Helmut Oehring wurde 1961 in Berlin (Ost) geboren. Als Kind gehörloser Eltern ist die Gebärdensprache der Gehörlosen sei- ne Muttersprache, deren räumliche Syntax und Grammatik auch eine der Grundlagen seiner audiovisuellen Partituren, Choreografien und Inszenierungen darstellt. Als Gitar- rist und Komponist Autodidakt und wegen mehrmaliger Wehrdienstverweigerung in der DDR nicht zum Hochschulstudium zugelassen, wurde er 1990 Meisterschüler von Georg Katzer an der Akademie der Künste zu Berlin. 1990 Stipendiat der Akademie Schloss Solitude und 1994/95 Stipendiat der Villa Massimo in Rom, erhielt er seitdem Auszeichnungen wie den Orpheus Kammeroper Preis Italien (1995), den Hindemith- Preis (1997) und den Arnold-Schönberg-Preis (2008) für sein gesamtes Schaffen, das – seit den frühen Theater-Musiken für Ruth Berghaus’ Inszenierungen von Werken Bertolt Brechts am Thalia Theater und den inspirierenden Zusammenarbeiten mit Künstlern wie Peter Greenaway, Robert Wilson, Friedrich Goldmann, Claus Guth, Joachim Schlömer, Michael Simon, Ulrike Ottinger, Maxim Dessau, Lothar Zagrosek, Patrizia Kopatchinskaja, Ingo Metzmacher oder Daniele Abbado – heute ca. 500 Werke nahezu aller Genres um-fasst, die weltweit aufgeführt werden. The New Yorker nannte ihn einen der „einflussreichsten audiovisuellen Komponisten neben John Adams, Kaija Saariaho, Björk und Robert Ashley“. 2011 veröffentlichte btb/Randomhouse seine Autobiografie Mit anderen Augen. Vom Kind gehörloser Eltern zum Komponisten, die 2015 in seiner Regie als Hörstück vom SWR produziert wurde und demnächst verfilmt wird. Helmut Oehring ist Mitglied der Akademie der Künste Berlin und der Sächsischen Akademie der Künste sowie der Akademie Deutscher Musikautoren. 2015 erhielt er den Deutschen Musikautorenpreis in der Kategorie Musiktheater. 2020/21 war er Excellence Fellow von Villa Aurora/ Thomas Mann Haus in Los Angeles.
Hollie Harding
Ritual II (2023)
for solo performer UA
2006 wurde ein winziger brauner Kieselstein bei einer Auktion für 25.000 Dollar verkauft. Bei diesem unscheinbaren Artefakt handelte es sich um den Nierenstein von William Shatner. Derselbe Käufer fügte es seiner Sammlung von Reliquien und Kuriositäten hinzu, zu der auch ein Käsesandwich mit dem Bild der Jungfrau Maria gehört, das 10 Jahre lang aufbewahrt wurde (mit nur einem Bissen davon), sowie ein Auto, das einst dem Papst gehörte. Dieses außergewöhnliche Interesse und die Verehrung von Gegenständen und sogar Körperteilen als Reliquien und Kuriositäten ist in der Geschichte nicht ungewöhnlich. Diese Partitur mit offenem Text lädt den Interpreten ein, durch Rituale die verschwommene Grauzone zu erforschen, die das Weltliche und das Mystische, das Alltägliche und das Göttliche, die Routine und die Offenbarung miteinander verbindet, und wurde im Januar 2023 für Alwynne Pritchard geschrieben.
Hollie Harding ist Komponistin, Produzentin und Kuratorin von Veranstaltungen für zeitgenössische Musik im Vereinigten Königreich und in Übersee. Sie interessiert sich für die Erforschung verschiedener Arten der Konstruktion von Musikaufführungsszenarien und die Auswirkungen, die dies auf den kompositorischen Prozess und das Hörerlebnis haben kann. Sie hat mit dem Sjøforsvarets Musikkorps, dem Philharmonia Orchestra, dem London Symphony Orchestra, dem London Philharmonic Orchestra, CHROMA, dem Castallian String Quartet, dem Ensemble Via Nova, DeciBells und Spielern des Bournemouth Symphony Orchestra zusammengearbeitet und arbeitet seit mehreren Jahren mit CoMA (Contemporary Music for All). Ihre Werke wurden von Radio 3, Resonance FM und BBC4 gesendet und sind bei NMC Recordings erschienen. Die Lehrtätigkeit spielt in Hollies künstlerischem Leben eine wichtige Rolle. Seit 2020 ist sie stellvertretende Leiterin der Kompositionsabteilung an der Guildhall School of Music and Drama. Gwyn Pritchard
What’s it all about? (2016)
for voice and audio playback
Wenn im Programm für ein Stück mit dem Titel "...what's it all about" versucht würde, zu erklären, worum es geht, wäre das Stück ruiniert, bevor es überhaupt aufgeführt wurde! So bleibt nur zu sagen, dass dieses kleine Stück (komponiert für Alwynne Pritchards DOG/GOD-Projekt) die Unzulänglichkeit der Sprache widerspiegelt, um unsere Beziehung zu der Welt, in der wir leben, zu hinterfragen. Der Hund bellt, jammert oder wimmert, wir schreien, stöhnen oder weinen; aber Gott hält einen sicheren Abstand und lässt uns mit einer Menge unbeantworteter Fragen zurück - ob Hund oder Mensch!
Der britische Komponist Gwyn Pritchard (geb. 1948) studierte Cello und Komposition an der Royal Scottish Academy of Music. Zu seinen Kompositionen gehören Werke für Orchester, Ensembles, Soloinstrumente, Stimmen und Elektronik. Ein Großteil seiner kompositorischen Tätigkeit findet außerhalb des Vereinigten Königreichs statt, insbesondere in Deutschland, Polen, der Schweiz und Italien, aber auch in vielen anderen Ländern der Welt. Seine Werke wurden auf vielen internationalen Festivals aufgeführt und häufig gesendet. 1982 gründete Pritchard das Uroboros Ensemble, dem einige der führenden britischen Instrumentalisten angehören, und 2013 das London Ear Festival of Contemporary Music. Er ist Professor für Komposition am Trinity Laban Conservatoire, London, und hat Vorträge und Meisterklassen in Europa, Amerika und Asien gehalten.
Dániel Péter Biró
And the Flesh (2020)
for voice and audio playback And the Flesh (Uvasar) ist eine Komposition für Alwynne Pritchards Stimme, Hände und Elektronik, die unter Ausschluss der Öffentlichkeit geschrieben wurde. Alle musikalischen Parameter (Tonhöhen, Dauer, Metrum usw.) sowie die Tora-Tropen-Handzeichen (Chironomie) leiten sich von den Gematria-Werten des folgenden hebräischen Bibeltextes (Exodus 22:30) ab: אֹתֽוֹ׃ תַּשְׁלִכ֥וּן לַכֶּ֖לֶב תֹאכֵ֔לוּ לֹ֣א רֵפָה֙טְ דֶ֤הבַּשָּׂ וּבָשָׂ֨ר Und das Fleisch, das von den Tieren auf dem Feld zerrissen wird, dürft ihr nicht essen; ihr sollt es den Hunden vorwerfen. Ich bin Alwynne Pritchard dankbar für ihre Mitarbeit an diesem Stück und dafür, dass sie es zu einer neuen und unerwarteten Antwort auf die Pandemie werden ließ.
Dániel Péter Biró ist Professor für Komposition an der Grieg-Akademie der Universität Bergen. Er studierte in den USA, Ungarn, Deutschland, der Schweiz, Österreich und Israel, bevor er 2004 an der Princeton University promoviert wurde. Von 2004-2009 war er Assistant Professor und von 2009-2018 Associate Professor für Komposition und Musiktheorie an der University of Victoria in Victoria, BC, Kanada. Im Jahr 2010 erhielt er den Gigahertz-Produktionspreis des ZKM-Zentrums für Kunst und Medien. Im Jahr 2011 war er Gastprofessor an der Universität Utrecht und 2014-2015 Research Fellow am Radcliffe Institute for Advanced Study, Harvard University. Im Jahr 2015 wurde er in das College of New Scholars, Scientists and Artists der Royal Society of Canada gewählt. Im Jahr 2017 wurde er mit einem Guggenheim-Stipendium ausgezeichnet. Derzeit leitet er das Projekt Sounding Philosophy, das vom norwegischen Programm für künstlerische Forschung unterstützt wird (2021-2024).
Felix Kubin
Incinerator (2015)
for voice and audio playback Incinerator (Verbrennungsofen) basiert auf Ted Hughes' "Lupercalia", einem Gedicht von rätselhafter Schönheit, auf das mich Alwynne Pritchard aufmerksam machte. Ich war sofort von seinem düsteren und heidnischen Charakter fasziniert, der gut zu dem Gesamtthema von DOG GOD zu passen schien. Ich hatte zuvor noch keine Texte von Ted Hughes gelesen, aber allein die Tatsache, dass er mit Sylvia Plath verheiratet war (einer Autorin, die ich immer sowohl gemocht als auch gefürchtet habe), weckte mein Interesse an ihm. Während ich mich mit Lupercalia beschäftigte, stellte ich mir vor, dass der Text von einem Mönch gesungen wird, der durch ein leeres Kloster geht, begleitet von einer Art "melodischem Wind", der durch die leeren Hallen weht. Um dies zu erreichen, habe ich den Max Brand Synthesizer benutzt, ein einzigartiges Gerät, mit dem ich während eines Aufenthalts an der IMA in Österreich arbeiten durfte. Der Synthesizer erinnerte mich an eine Mischung aus Kirchenorgel, Trautonium und Kriegsmaschine. Mit ihm schuf ich Drones, gemischt mit Obertönen, unterbrochen und ergänzt durch alarmartige Sweeps und entfernte Explosionen, die sich langsam zu einem pulsierenden Organismus entwickeln. Während des Gesangs muss der Performer durch das Publikum gehen, als würde er sich durch eine große Halle bewegen. Irgendwann wird die Stimme von einem Echo beantwortet, das von einem tragbaren Audiogerät abgespielt wird und die ganze Szenerie in eine abstrakte Beschwörung verwandelt. Fright woman, spirit of ivy Oh mountain listener Felix Kubin (*1969), funkensprühender Spannungs- und Weltenwandler aus Hamburg, gehört zu den vielseitigsten Performern und Komponisten zeitgenössischer elektronischer Musik. In der Aufbruchstimmung der Home-Recording-Ära begann er mit 12 Jahren, seine ersten Tonexperimente auf einem 4-Spur-Gerät aufzunehmen. Danach breitete sich sein Universum kontinuierlich aus und umfasst heute futuristischen Pop, Hörspiele, elektroakustische Musik, Lecture Performances und Orchesterkompositionen. Neben diversen Auftragswerken (NDR das neue werk, MaerzMusik, Festival Borealis u.a.) moderierte und entwickelte er neue Radioformate, wie z.B. "Toxic Tunes" (NDR), das "Forum für Entladung" (Zerstörung von Objekten am Telefon, papiripar Festival) und die 20-teilige Radioserie "Me & My Rhythm Box" (dOCUMENTA 14). Er betreibt das Plattenlabel Gagarin Records und ist Mitgründer des Festivals "papiripar" für Pop | Kunst | Rotation. Text interlude based on a Lost Opera collage
by Anton Lukoszevieze (2022)
for solo performer Collage-Zwischenspiele Diese Collagen gehören zu einer großen Serie von etwa 238 Werken mit dem allgemeinen Titel Lost Operas. Jede einzelne Collage hat eine Beziehung oder Verbindung zu einer musikalischen Komponente, in irgendeiner Form, wie schwach auch immer. Meine ursprüngliche Absicht war es, dass sie nur als zweidimensionale Medien funktionieren, aber insgeheim habe ich vielleicht ein größeres Potenzial für eine klangliche und/oder performative Situation geschaffen. Das Wort Oper wird im Allgemeinen mit Opernhäusern, kriegerischem Gesang, roten Samtvorhängen, einem Orchester im Orchestergraben usw. usw. gleichgesetzt. Meine eigene Auffassung ist näher an dem italienischen Wort "opere", das Werke bedeutet. Ich sehe eine Oper als ein Werk, das aus verschiedenen Komponenten besteht, die etwas Audiovisuelles schaffen, was der "großen" Oper vergleichbar ist, aber einen viel experimentelleren Charakter hat. Daher ist jede Collage Teil einer Oper oder selbst eine Oper. Die fragmentarische, flüchtige und vielleicht schwer fassbare oder rätselhafte Natur einiger von ihnen deutet darauf hin, dass sie Teil einer verlorenen Oper sind, eines Opus maximus von einem verlorenen, imaginären Ort.
Anton Lukoszevieze, geboren 1965, litauisch-englischer Cellist, interdisziplinärer Künstler und Komponist. Gründer und Leiter der experimentellen Musikgruppe Apartment House. Seine Arbeiten wurden im ICA, London, auf der Kaunas Biennale, im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid, im Kettle's Yard, Cambridge und in der Prospektas Galerija, Vilnius, ausgestellt. Die Arbeiten wurden in Routledge - A Contemporary Guide to Drawing veröffentlicht.
Sigurd Fischer Olsen
Hand of Dog (2020)
for solo performer Das Stück basiert auf meiner (und unserer gemeinsamen) Faszination für den Fußballspieler Diego Maradona und seine ganze Geschichte vom weltbesten Fußballspieler mit unglaublicher Körperbeherrschung, reich und berühmt mit mächtigen Freunden, bis zu seinem Fall als alternder, übergewichtiger und fast vergessener drogenabhängiger Mann. Seine Figur ist selbstbewusst und stolz, aber auch verspielt und kindisch, positiv und fröhlich, aber auch weinerlich und arrogant, bodenständig, aber gleichzeitig auch eitel und aufgeblasen. Das Stück ist wie ein Fenster, das in diese Welt der widersprüchlichen Stimmungen und Bewegungen hineinschaut.
Sigurd Fischer Olsen ist Komponist, Musiklehrer und Bratschist. Er studierte Komposition und Bratsche an der Grieg-Akademie in Bergen und an der Hochschule für Musik Freiburg, Deutschland. Seine Werke umfassen Orchesterwerke, Kammermusik, Solowerke und elektronische Werke. Sie wurden von Ensembles wie dem Bergen Philharmonic Orchestra, dem Norwegischen Rundfunkorchester, dem ICE Ensemble, dem Ensemble Risognanze (It.), dem Quatuor Bozzini (Ca.) und dem BIT20 Ensemble aufgeführt. Er ist Mitglied von Ursus Produksjoner, die an der Schnittstelle zwischen Musik, darstellender Kunst und Oper arbeiten. Ursus Produksjoner haben drei große Opern produziert und die Oper "Lohengrin" von S. Sciarrino in Bergen 2013 inszeniert, das später durch Skandinavien tourte und beim Huddersfield Comtemporary Music Festival aufgeführt wurde. Sigurd hat Komposition, Musikgeschichte und Musiktheorie an der Grieg-Akademie in Bergen unterrichtet und ist derzeit künstlerischer Leiter der Avgarde-Konzertreihe.
Gerhard Staebler
THERE IS ABSOLUTELY NO(THING) (2015)
for solo performer
Das Musiktheater THERE IS ABSOLUTELY NO(THING) ... – Hommage a Francesco Cangiullo (1888 - 1977) für eine Vokalistin bzw. einen Vokalisten in drei Akten ist inspiriert vom Einakter “Kein Hund ist da”. (Synthese der Nacht) des Futuristen Francesco Cangiullo und entstand im Dezember 2014 im kalifornischen Palm Desert im Auftrag der englischen Komponistin und Performancekünstlerin Alwynne Pritchard und des Bergen Festivals.
THERE IS ABSOLUTELY NO(THING) ... besteht aus den drei kurzen Akten DRILL, PLATZ! und SYNTHESE DER NACHT und setzt sich in Referenz zu Cangiullo und dem Generalthema des Pritchard‘schen Projektes DOG/GOD mit verschiedensten Aspekten von Abhängigkeit und Unabhängigkeit, von Kontrolle und Selbstdisziplin, Gehorsam und Selbstzucht, von Leere, Abwesenheit, (Selbst-)Aufgabe, Flucht oder gar Demenz auseinander, dafür unterschiedlichste Techniken verwendend – Techniken der Machtausübung, des Drills, der Abrichtung, der Disziplinierung, der Zähmung, der Unterwürfigkeit, der Selbstkasteiung etc. Nicht nur die Stimme ist dabei zentral, sondern in Kombination mit Licht und elektronischen Klängen und Videoimages auch der körperliche Einsatz, für dessen Ausprägungen allein die extremen stimmlichen und darstellerischen Fähigkeiten der Performancekünstlerin Alwynne Pritchard Pate standen. Gerhard Stäbler (*1949) zählt zu den profiliertesten Komponisten seiner Generation: Ur- und Erstaufführungen in jüngerer Zeit u.a. Chicago, Kiew, Montevideo, Tokio, Wroclaw, an Theatern in Linz, München, Münster, Oslo, Würzburg und Ulm, und verschiedenen deutschen Städten (z.B. Köln: HÖR·FLECKEN in einer U-Bahn-Station und Orchesterfassung von Den Müllfahrern von San Francisco in der Philharmonie). Zum 70. Geburtstag Stäblers fanden umfangreiche Portraitkonzerte u.a. in Seoul, Stuttgart, Köln, Duisburg und Trier statt. Dafür entstanden das Ensemblewerk GAME und das Streichquartett - - ] erzählen. Während der Zeit des kulturellen Stillstands 2020/21 schrieb Stäbler u.a. das Orchesterwerk „TIEFEN·SCHÄRFE“, das Nonett „LOB DES SELBEN“, „all is to be dared“ für Vokalensemble, „Magische Spiele“ für bis zu 17 Klaviere und „Taubes Schwarz“ für Ensemble. Außerdem gab es Sendungen im RBB, bei Radio Belgrad, dem NDR, dem DLF, dem SWR und Projekte in Dresden, Korea und beim Festival Contraste (Lviv, Ukraine). 2022 / 2023 verbrachte Stäbler längere Studienaufenthalte in Istanbul mit exponierten Workshops und PerformanceKonzerte am Kulturhaus Barin Han in Kooperation mit der BAU-Universität und am Museum ARTER für zeitgenössische Kunst. Ihnen folgte Anfang Februar 2023 in Trier die Uraufführung der umfangreichen CELAN-GESÄNGE für Sopran und Klavier (2021). 2015 erschien zur Arbeit Stäblers das Buch live / the opposite / daring – music, graphic, concept, event und Ende 2022 das Buch DAZWISCHEN zur Kooperation Stäblers mit dem Komponisten und PerformanceKünstler Kunsu Shim und eine Klavier-CD von Martin Tchiba mit Werken der beiden Komponisten. Alwynne Pritchard
Vitality Forms 7 (2023)
for solo performer UA
Dies ist Nr. 7 in einer Reihe von Performances, die nach der Lektüre des Buches “Forms of Vitality” des Psychologen Daniel N. Stern entstanden sind, in dem er schreibt:
“Vitalität nimmt viele dynamische Formen an und durchdringt das tägliche Leben, die Psychologie, die Psychotherapie und die Kunst, doch was ist Vitalität? Wir wissen, dass sie eine Manifestation des Lebens, des Lebendigseins ist. Wir sind sehr aufmerksam für das, was wir in uns selbst spüren und was sich in anderen ausdrückt. Das Leben zeigt sich in so vielen verschiedenen Formen der Vitalität. Aber wie können wir dieses Phänomen untersuchen?”
Ruben Sverre Gjertsen
With zitterings of flight released and twinglings of twitchbells (2020)
for voice and audio playback Das Stück wurde von Alwynne Pritchard mit Unterstützung des Arts Council Norway in Auftrag gegeben. Der Titel stammt aus "Finnegan's wake" von James Joyce, während sich das Stück selbst auf phonetische Klänge und die Erforschung von Vokalklängen konzentriert. Der elektroakustische Track verfügt über detaillierte räumliche Nuancen in 3D-Ambisonics, die den Hörer umgeben sollen, dekodiert für jede Lautsprecherkonfiguration. Der gesamte Track basiert auf Aufnahmen von Alwynnes Stimme, von klaren Tönen bis zu verrauschten Klangqualitäten, mit Lichtbehandlungen und körnigen Wolkenformationen. Oft wurden die winzigen unbeabsichtigten Geräusche zwischen den Tönen herausgeschnitten und als Samples verwendet, wie Räuspern und winzige Zungenbewegungen. Ruben Sverre Gjertsen (*1977) ist ein norwegischer Komponist, der in Bergen lebt und dort Komposition studierte. Seine Musik wurde hauptsächlich in Europa von Ensembles wie Bit 20, Ensemble Intercontemporain, Ensemble Vortex, Ensemble Ernst und der Lucerne Festival Academy aufgeführt. Es wurden drei Alben veröffentlicht: "Grains", "Gamelan Terrains" und "Anatomy of sound". Das erste erhielt den norwegischen Grammy Spelemannsprisen. Er war außerordentlicher Professor für Komposition an der Grieg-Akademie 2015-2018 und ist derzeit als Organist tätig. |
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